4 años de la partida física de SIMÓN DÍAZ (Tío Simón)

Simón Díaz

Simón Narciso Díaz Márquez (Barbacoas, Estado Aragua, 8 de agosto de 1928 - Caracas, 19 de febrero de 2014),1​ más conocido como Simón Díaz o simplemente por el apodo de El Tío Simón, fue un cantante, músico, compositor, poeta, humorista, caricaturista y empresario venezolano.

Biografía 

Infancia  Fue uno de los ocho hijos del matrimonio de Juan Díaz y de María Márquez de Díaz; uno de sus hermanos fue el también fallecido actor y comedi ante venezolano Joselo Díaz. Díaz estuvo inmerso tanto en la música como en la vida campesina desde niño. Barbacoas era un pueblo ganadero y Simón Díaz absorbió ahí la música y tradiciones del llano, ya que desde pequeño improvisaba coplas y tonadas que escuchaba de los artistas que se encontraban en su localidad. Su formación musical se originó en casa, en donde su padre le enseñó lo básico. Juan Díaz tocaba el cornetín en la banda del pueblo, y lo animó a aprender a tocar el cuatro venezolano y a componer y cantar boleros. Tras la muerte de su padre, en 1940, se traslada con sus siete hermanos y su madre a San Juan de los Morros. Allí logra culminar sus estudios de primaria y recibir, formalmente, sus primeras lecciones de música, con el maestro Ramón Ziegler. «A los 12 años murió mi papá y me tocó a mí ser el hombre de la familia», relató Díaz en una oportunidad. En aquel entonces, dedicó buena parte de su tiempo a vender dulces, empanadas y otras comidas preparadas por su madre para sostener a sus siete hermanos. A los 15 años, comienza a trabajar en un centro social de San Juan de los Morros como asistente y atrilero de la agrupación local Orquesta Siboney y poco tiempo después, empieza a presentarse como actor humorístico bajo el apodo de «El Chato» alternando con la orquesta mencionada. Un día, el cantante de planta de la orquesta se enfermó y, a solicitud del dueño del local, le tocó a Simón reemplazarlo. Según una anécdota evocada por el artista años después, el joven Simón Díaz se decidió a interpretar el bolero Dos Almas del compositor argentino Domingo Fabiano, conocido como Don Fabián. Sin embargo, a Díaz, en plena actuación se le olvidó la letra y para salir del compromiso comenzó a improvisar la letra con sonidos guturales, ocurrencia que fue aplaudida por el público.​ A partir de ahí, Simón Díaz se convierte por un tiempo en el bolerista de la agrupación.

Llegada a Caracas A partir de la experiencia en la Orquesta Siboney, Simón Díaz empieza a abrirse paso en el mundo del espectáculo, como cantante. Es así, como un día decidió irse a Caracas a probar suerte y buscando mejores formas de vida para él y su familia. El 19 de marzo de 1949 viajó a Caracas, y al día siguiente, consigue su primer empleo, como cobrador en una sucursal del Banco Venezolano de Crédito.4 Un día, ante un anuncio colocado en la entrada de una casa en la parroquia caraqueña de San Juan, decide recibir clases de piano, con el compositor, pianista y docente Teófilo León; posteriormente, se inscribió en el turno vespertino de la Escuela Superior de Música luego de aprobar el examen que le hiciera el músico, docente y director de orquesta Vicente Emilio Sojo, llegando ser compañero de clases del fundador del Sistema de Orquestas Juveniles de Venezuela, José Antonio Abreu. Allí estudió por seis años. A mediados de los años 1950, Simón Díaz ya era conocido en todo el país por su programa de radio El llanero en el cual mezclaba comedia con un inventario de canciones propias que lo convirtieron en uno de los artistas más populares de la Venezuela de entonces. En 1961, Díaz contrajo matrimonio con Betty García Urbano con quien procrearon a sus hijos Bettsymar, Simón y Juan Bautista Díaz García. Esta unión duró hasta el fallecimiento del artista.

Primera licencia de conducir de Simón Díaz (1951)

A partir de la experiencia en la Orquesta Siboney, Simón Díaz empieza a abrirse paso en el mundo del espectáculo, como cantante. Es así, como un día decidió irse a Caracas a probar suerte y buscando mejores formas de vida para él y su familia. El 19 de marzo de 1949 viajó a Caracas, y al día siguiente, consigue su primer empleo, como cobrador en una sucursal del Banco Venezolano de Crédito.​ Un día, ante un anuncio colocado en la entrada de una casa en la parroquia caraqueña de San Juan, decide recibir clases de piano, con el compositor, pianista y docente Teófilo León; posteriormente, se inscribió en el turno vespertino de la Escuela Superior de Música luego de aprobar el examen que le hiciera el músico, docente y director de orquesta Vicente Emilio Sojo, llegando ser compañero de clases del fundador del Sistema de Orquestas Juveniles de Venezuela, José Antonio Abreu. Allí estudió por seis años. A mediados de los años 1950, Simón Díaz ya era conocido en todo el país por su programa de radio El llanero en el cual mezclaba comedia con un inventario de canciones propias que lo convirtieron en uno de los artistas más populares de la Venezuela de entonces. En 1961, Díaz contrajo matrimonio con Betty García Urbano con quien procrearon a sus hijos Bettsymar, Simón y Juan Bautista Díaz García. Esta unión duró hasta el fallecimiento del artista.

SIMON DIAZ EN BURRO

Junto a Hugo Blanco En 1963, Simón Díaz conoce al músico, compositor y productor musical Hugo Blanco, quien se convertiría en una figura importante dentro de su carrera musical al firmar su primer contrato discográfico con la empresa El Palacio de la Música. Fue Blanco quien le dio la oportunidad de grabar en el álbum Parranda Criolla los temas Por Elba y Matagente, dos temas de corte humorístico, estilo que marcaría buena parte de su repertorio bajo la producción de Hugo Blanco. Al año siguiente, sale a la venta su primer álbum como solista, titulado Ya Llegó Simón, donde se incluye el éxito El superbloque, que serviría para afianzar la naciente popularidad del intérprete. En 1966, se publica el disco Caracha Negro, título alusivo a una de sus frases más representativas. De la colaboración entre Díaz y Blanco, surgieron 16 álbumes de larga duración que incluyeron grabaciones en ritmo de salsa y parrandas de corte humorístico.

CERTIFICADO de CONDUCIR de Simón Díaz

Incursiones en el cine, la radio y la televisión Su carrera televisiva comenzó en 1960 con el programa La Quinta de Simón y continuó con espacios tales como Reina por un Día, Criollo y Sabroso, Mi llanero favorito, Venezolanamente, Simón cuenta y canta, Pido la palabra, El Show de Joselo y Simón y Contesta por Tío Simón. En 1978, iniciaría un nuevo espacio en el canal estatal Venezolana de Televisión titulado Las Artes y Los Oficios del cual solo grabó un programa junto al actor y declamador venezolano Oscar Martínez, quien falleció en un accidente una semana después, por lo que el espacio fue cancelado. Su carrera televisiva se extendió hasta los años 1990 con otros programas en los que promovía la música y tradiciones venezolanas. En 1963, Simón Díaz hace su primera aparición en el cine en la cinta Cuentos para mayores, dirigida por Román Chalbaud, a la que seguirían, en participaciones como actor, las producciones Isla de sal (1964), El reportero (1966), La bomba (1975), Fiebre (1976), La invasión (1977) y La empresa perdona un momento de locura (1978), en las cuales los papeles asignados al artista oscilaron entre lo humorístico y lo dramático.

La radio también sirvió para afianzar la popularidad del intérprete. El espacio Media Hora con Joselo y Simón, era una mezcla de música y humor que realizó con su hermano a través de la emisora venezolana Radio Rumbos a las 6:30 de la tarde; allí también presentó Rumbos, Coplas y Canciones el cual se mantuvo durante muchos años al aire con altos índices de sintonía, con la participación de la vocalista Josefina Rodríguez y el músico Vicente Flores, con su conjunto.

Leer Más

DAIQUIRI (Venezuela)

DAIQUIRÍ

 Daiquirí es un grupo fundado en 1983, en Caracas, Venezuela, que forma parte de la historia musical de ese país en la década de los ochenta. Formado y liderizado por Alberto Slezynger, quien venía ya de integrar en la agrupación de fusión de rock y música latina "Sietecuero", junto con los reconocidos hermanos Evio y Yordano

Di Marzo. La mayoría de sus otros integrantes formaban parte del grupo de músicos venezolanos que viajaron a la ciudad de Boston en los Estados Unidos, en la década de los 70s, a estudiar música en el Berklee College of Music, y/o que tenían ya una reconocida trayectoria como músicos de sesión en el ambiente disquero Venezolano. Muchos de ellos impartían clases en la academia CeProMusic que dirigía el también músico y compositor venezolano Pablo Schneider.

El género de esta agrupación fue la música tropical latina, con ciertas variantes del sonido tradicional bailable para la época, como la inclusión de la guitarra eléctrica y la batería, y la sustitución del uso tradicional de la sección de metales, por teclados sintetizadores (incluido el sonido del piano eléctrico CP-70, el órgano hammond B7, y el uso intensivo de los sonidos FM del Yamaha DX-7, del que fueron pioneros en Venezuela junto con Ilan Chester, a partir de su segundo disco "La Casa del Ritmo"). Su sonido tan particular les valió la adjudicación del "Ritmo Daiquirí" o "Sonido Daiquirí", como distinción del resto de exponentes de los géneros latino/caribeños.

Daiquirí se colocó en el mercado a partir de una genial y muy exitosa campaña de intriga en los medios, que los posiciona finalmente con el promocional "Puro Deseo de Amar" en 1983. Esta técnica de manejo publicitario fue exitosamente utilizada por su productora (Fonotalento) para colocar en el mercado a otros dos noveles artistas ese mismo año: Ilan Chester y Franco De Vita. Todos producidos por el talentoso músico colombiano Álvaro Serrano Calderon quien fue uno de los más importantes productores de la década de los 80 en Venezuela.

En la madrugada del primero de Enero de 1988, tras una celebración en un local nocturno de Caracas, muere Danilo Aponte (Bajista) en un aparatoso accidente de tránsito. Aponte, para el momento, militaba, a la par de Daiquirí, en un proyecto paralelo con otros dos músicos de la banda (Silvano Monasterios y Gustavo Calle), llamado "Le Cardiú Jazz Trio".

Paradójicamente, el grupo Daiquirí posee un pequeño historial de accidentes entre sus miembros fundadores. Al igual que el bajista Danilo Aponte, a finales de la década de los 90´s, el guitarrista Pedro Vilela también sufrió un accidente de tránsito, del cual afortunadamente solo salió con lesiones a nivel de manos, que lo mantuvieron alejado de la ejecución por un tiempo. Hoy en día mantiene su actividad como guitarrista, bajista y arreglista. Unos años antes del fallecimiento de Danilo Aponte, el baterista Gustavo Calle, también sufrió un accidente durante unas prácticas de vuelo en parapente (glider), que le provocó fracturas a nivel de piernas, impidiéndole la ejecución de su instrumento por un tiempo, por estar en muletas.

Posterior a la muerte de Aponte, Daiquirí decide continuar, reclutando en sus filas a Rafael "Rafucho" Figliolo como bajista de la banda. Esto coincide con el cambio de disquera, de Sonográfica (grupo disquero oficial de la productora Fonotalento hasta su desaparición) al grupo disquero rival Sono-Rodven, bajo el sello EMI-Rodven.

En la década de los 90s, su líder, Alberto Slezynger, se radica en los Estados Unidos (Miami), y funda en 1996 "Personal Music", una empresa dedicada a la composición de material musical, grabación, producción y sound-design, de la cual es manager y director general (CEO) hasta el presente. El resto de los músicos de la banda ha continuado trabajando como ejecutantes y productores para muchos otros artistas.

En 2004, Alberto Slezynger, músico principal y cerebro creativo de Daiquirí, organizó una serie de conciertos en Miami, en los que se interpretaron clásicos como “Puro Deseo de Amar”, “Chamito Candela”, “Agua que no Has de Beber”, “Un Día en el Béisbol (Cervecero)”, “Morir de Amor”, “Caso Perdido” y “Caribe Soy”.1​

Posteriormente, el líder de Daiquirí fue invitado en mayo al Festival del Caribe y Latinoamérica de Estambul, en Turquía, a donde viajó acompañado por siete músicos, que no formaron parte de la agrupación original.

Leer Más

JAVIER SOLÍS: El Rey del Bolero-Ranchero

 JAVIER SOLÍS

Gabriel Siria Levario, más conocido como Javier Solís (Ciudad de México,1​2​ 1 de septiembre de 1931-Ciudad de México, 19 de abril de 1966), fue un cantante y actor mexicano, conocido también como El Rey del Bolero Ranchero.

Notoriedad y extraña consideración tuvo Javier Solis al hablar constantemente de la localidad de Nogales, en el estado de Sonora: se rumoró por mucho tiempo que fue allí donde nació, y que se trasladó luego a la ciudad de México. Parte de la versión es cierta: un tío de Javier fue de aquella localidad. Sin embargo, no hay fuentes que acrediten a Solis como sonorense, excepto la biografía publicada por la disquera CBS Columbia, que publicó su origen norteño en un LP.3​ Así pues, no hay fuentes fidedignas que confirmen su origen sonorense, excepto la fuente oficial: el acta de defunción gubernamental del registro civil, donde se confirmó que era capitalino.

Fue el primero de los tres hijos del matrimonio formado por Francisco Siria Mora, de oficio panadero, y Juana Levario Plata, comerciante, quienes lo bautizaron como Gabriel Siria Levario. Su madre poseía un puesto de venta en un mercado público y, debido al abandono por su esposo y al tiempo que le demandaba su trabajo, decidió en abril de 1932 dejar a Gabriel en casa de sus tíos Valentín Levario Plata y Ángela López Martínez. De hecho, el futuro artista siempre consideró a estos sus verdaderos padres. Fue bautizado en el Sagrario Metropolitano de la capital mexicana.

Hacia 1950 grabó sus primeras creaciones: Punto negro,Tómate esa copa, Virgen de barro y Te voy a dar mi corazón, producidas, con el Trío Los Galantes, en un pequeño estudio de grabación destinado a artistas aficionados y que pertenecía a la sala de cine Cinelandia de la Ciudad de México. El cantante hizo estas grabaciones en discos de acetato para mostrarlas a sus amistades y las entregó como tarjeta de presentación ante Discos Columbia de México (hoy filial mexicana de Sony Music), la que lo contrató en enero de 1956. Esta empresa discográfica incluiría las dos últimas en el LP Homenaje a Javier Solís, editado en 1990, y Punto negro aparecería en el triple LP 36 Éxitos de Javier Solís, que se distribuyó en el mercado en 1969.

A principios de 1955 fue contratado para cantar en el Bar Azteca, donde permaneció por espacio de 4 años. Es aquí donde, a sugerencia de su amigo Manuel Garay, cambiaría su seudónimo por Javier Solís, con el cual lograría la fama artística. A mediados de ese mismo año lo escuchó cantar en el local Julito Rodríguez, en ese entonces guitarrista y primera voz del Trío Los Panchos, quien lo recomendó para una audición con Felipe Valdés Leal, quien era director artístico de Discos Columbia de México. Gabriel Siria, ahora convertido en Javier Solís, resultó aprobado en la audición y se le hizo un contrato para grabar su primer sencillo a fines de 1955. Se incluyeron los temas Qué te importa y Por qué negar. El sencillo obtuvo éxito en el interior de México y, gracias a ello, fue contratado formalmente el 15 de enero de 1956. Se dice que, como parte de este trato, Javier Solís entregó la cinta que contenía los temas antes mencionados y la compañía la archivó por varios años, dando a conocer los temas, años después de su fallecimiento, como ya se ha dicho.

Javier Solís

Un hecho inesperado retrasó el lanzamiento de su primer álbum. El día del sepelio del actor y cantante Pedro Infante es motivo para que Solís, subiera a una cripta del cementerio a entonar la ranchera Grito Prisionero, imitando la vocalización del fallecido intérprete.

Solís continuó haciendo presentaciones en el Bar Azteca y también en un espacio de la emisora mexicana XEW. Recibe su primer disco de platino por las altas ventas de su primer sencillo, el día 5 de septiembre de 1957. Como consecuencia, grabó su primer álbum Javier Solís, Volumen I añadiendo a los temas de su disco sencillo 6 canciones más. Fue en esta época en que iniciaron las interrogantes en torno a su vida privada, pues en el prefacio de este LP se aseguró que su nacimiento ocurrió en el estado mexicano de Sonora, lo cual desmintieron las investigaciones periodísticas posteriores. Su consagración definitiva fue cuando grabó el tema Llorarás Llorarás (que formó parte del álbum del mismo título) en 1959, cuando Felipe Valdés Leal logró con consejos que Solís abandonara su estilo imitador de Pedro Infante. En lo sucesivo, su carrera fue meteórica, ya que aunque duró solamente 10 años, grabó 379 canciones y se convirtió en uno de los cantantes más famosos de la historia en México.

A pesar de su modesta estatura (1.63 m) y la corta duración de su carrera (10 años) logró forjar una carrera cinemaográfica participando en 33 películas.

En 1959, durante su primera gira promocional hacia Estados Unidos, la disquera preparó un álbum de valses de origen mexicano en el cual el acompañamiento no sería efectuado con mariachis sino con una banda sinfónica conformada por músicos mexicanos y estadounidenses con arreglo y dirección del músico Fernando Zenaido Maldonado. El álbum, titulado Javier Solís con banda, fue grabado en los estudios de Columbia Records en Nueva York, en uno de los primeros trabajos de grabación multipista llevados a cabo por artistas latinoamericanos. Las ventas iniciales de este LP se destinaron a organizaciones de caridad, pero tuvo poca aceptación en México. Sin embargo, varios años después fue digitalizado. Curiosamente, en 1963 la disquera tomó la pista de voz de esta grabación y sustituyó el acompañamiento de banda con el del Mariachi Nacional de Arcadio Elías. El álbum resultante se denominó Valses Mexicanos, que al ser digitalizado se titularía Valses. Es la primera reconstrucción técnica llevada a cabo con la voz de Javier Solís, aún en vida, aunque esto no lo sabrían algunos fanáticos del cantante sino varios años después, gracias a los avances en las técnicas de computación y multimedios que permitieron hacer la comparación posterior.

Al año siguiente (1960), en una nueva gira en Estados Unidos, emprendió un proyecto muy diferente pues grabó boleros con acompañamiento de orquesta de estudio dirigida por quien después sería su amigo, el músico estadounidense Chuck Anderson. Este álbum fue denominado Javier Solís en Nueva York y tenía como fin, según palabras del cantante, ponerlo al nivel de otros artistas de géneros románticos demostrando su versatilidad. Este disco tardaría un tiempo en salir al mercado, debido a la aceptación del cantante como artista del género ranchero.

En 1962 y 1963 graba dos de sus discos más célebres: Fantasía española y Trópico, con canciones del compositor Agustín Lara, convirtiéndose así en uno de sus mejores intérpretes. Con las interpretaciones de Javier Solís inicia una nueva era para la música de mariachi dejando atrás los sones y la temática campirana para incorporar la lírica urbana y las adaptaciones de canciones latinoamericanas, logrando refrescar el género y el interés del público por la música ranchera.

Al iniciarse el año de 1966, Solís emprendió un nuevo proyecto discográfico grabando algunas de las canciones más conocidas de los compositores puertorriqueños Rafael Hernández y Pedro Flores. Sin embargo, debido a sus padecimientos de salud, sólo alcanzó a poner la voz a seis de las ocho pistas preparadas del nuevo álbum, aunque llegó a terminar su otro álbum Javier Solís Con Orquesta.

Por consejo médico, el 12 de abril de 1966, Solís fue hospitalizado en el hospital Santa Elena en la colonia Roma de la Ciudad de México para operarse de la vesícula biliar. De acuerdo a su acta de defunción falleció a las 5:45 a.m. del 19 de abril de 1966 por fallo cardíaco a consecuencia de desquilibrio electrolítico producido por la colecistectomía.7​ Sin embargo, hasta el momento, se han recogido 4 diferentes versiones de su enfermedad y fallecimiento, sin que se tenga por válida ninguna de ellas.

El 20 de abril, en medio de manifestaciones de dolor su cuerpo fue inhumado en el lote de actores del Panteón Jardín de la Ciudad de México, donde han permanecido sus restos desde entonces. Poco después, la disquera presentó las canciones dejadas por Solís, añadiéndoles a las pistas de estas interpretaciones recitados escritos por el actor Ángel Fonfrías y declamados por el ya fallecido actor y locutor Guillermo Portillo Acosta. Este último álbum fue denominado Homenaje Inconcluso A Rafael Hernández y Pedro Flores, el cual tuvo tales ventas que años después fue digitalizado. Ese mismo día en varias estaciones de radio del país se entonaron sus mejores temas como Amigo organillero, Sombras, Las rejas no matan y En mi viejo San Juan a manera de homenaje, en la XEW estación a la que se atribuye haber sido la primera emisora en revelar alrededor de las 7:00 horas el deceso del cantante causando gran conmoción en la población y de sus seguidores.

Leer Más

JOSÉ FELICIANO

José Feliciano

José Monserrat Feliciano García (Lares, Puerto Rico, Estados Unidos, 10 de septiembre de 1945), más conocido como José Feliciano, es un cantante, músico y compositor puertorriqueño, considerado el primer hispanoamericano en introducirse al mercado de la música en inglés; abriendo las puertas a otros artistas, permaneciendo vigente durante cinco décadas, e influenciando la música popular por más de dos generaciones.

Grabó su primer larga duración en 1964 cuando tenía 19 años. Desde entonces ha grabado más de 60 discos entre el mercado anglosajón y el de habla hispana.2​ Está considerado como un virtuoso ejecutante de la guitarra española y con su potente e inconfundible voz, ha interpretado y publicado más de 600 canciones. Sus ventas de discos se estiman en 50 millones de copias.3​

Si en el mercado latino sus mayores éxitos provienen del bolero y las baladas, Feliciano es mas reconocido en el mundo por sus influencias y ejecuciones en el ámbito del Soul, el Jazz, el Rock y los ritmos latinos. Posee infinidad de canciones conocidas pero hay tres que marcaron su trayectoria musical: “Light my fire” que le abrió las puertas de la popularidad con la canción y l'LP que la incluyó que fue Hit en muchos países del mundo como USA, Canadá, Brasil, Australia, Uk entre otros y “Che Sarà”, cantada en el Festival de San Remo, que fue éxito en Europa, Asia y América, y “Feliz Navidad”, una canción de su autoría considerada una de las más escuchadas durante la época navideña en el mundo entero.2​

Ha sido galardonado con más de cuarenta y cinco discos de Oro y de Platino. Ha recibido infinidad de nominaciones al premio Grammy, el cual ha ganado en nueve ocasiones, incluyendo uno a su trayectoria artística.4​ En 1987 tuvo el honor de ser reconocido con una estrella en el “Paseo de la Fama” en Hollywood. En 1996 fue seleccionado por la revista Billboard para recibir el premio “Lifetime Achievement” por su trayectoria artística.

Como compositor tiene más de 100 canciones registradas, entre las que pueden mencionarse: “No hay sombra que me cubra”, “Ay, cariño”, “Paso la vida pensando”, “Me has echado al olvido”, "Destiny", "Come Down Jesus", "Angela", "Rain", "Chico & The Man", "Hard Times In El Barrio" y los instrumentales: "Pegao" y "Affirmation". Fue uno de los primeros artistas en incluir duetos dentro de sus discos, entre los que destacan: “Para decir adiós” con Ann Kelly (1982), “Por ella” con José José, “Un amor así” con Lani Hall, y “Tengo que decirte algo” con Gloria Estefan.

En el año 2013 ingresó en el Salón de la Fama de compositores latinos en una ceremonia celebrada en el New World Center de Miami, junto a Julio Iglesias, Armando Manzanero y Manuel Alejandro. Fue ovacionado al salir al escenario para interpretar "Paso la vida pensando".

Leer Más

MARACAIBO 15

Maracaibo 15, es una agrupación venezolana de gaita zuliana, fundada en Caracas, capital de Venezuela en el año 1974 por Betulio Medina. Está formada por 15 personas, 7 eran de Caracas y 8 del Estado Zulia. En el año 1974 Betulio Medina decide fundar la agrupación gaitera Maracaibo 15 después de separarse por problemas surgidos dentro de la agrupación “Oro Negro” que había fundado 2 años antes junto a Alí “Cuco” Carroz. Fue el animador No. 1 de la televisión venezolana, Renny Ottolina, quien sugiere el nombre “Maracaibo 15”.1​ a Medina, sin embargo este consulta la idea de Renny con la gente que compartía esfuerzos con él, como el desaparecido Rómulo Rodríguez y la también periodista, Trina Perdomo Príncipe. Ese equipo era el que decidiría si se llamarían “Maracaibo 15” o “Los 15 de Maracaibo”, pero se impuso el nombre sugerido inicialmente por Ottolina. Maracaibo 15 combina la gaita zuliana con la música folclórica,

como parrandas, música oriental y música internacional, géneros tales como la cumbia, porros y muchos otros. Entre sus éxitos figuran: Amparito, La Moza, La negra del tamunangue, Muñeca, La ingrata, Viejo año, Canto del Zulia bravío, Venga un abrazo, La negra Dorotea, El cañonazo, Parranda 87, La tabaqueras, Un feliz año, Amigo, Upa upa, Narciso Perozo, La Chinca, El frioducto, Orinoco, La sabrosa, Cuando no estás, Besos y abrazos, Navidad sin ti y otros. Maracaibo 15 se ha presentado en todas las regiones de Venezuela, así como también en muchos países de Latinoamérica, y en Miami (Florida), en los Estados Unidos.


Temas destacados:

•     "La Chinca" (1975)
•     "La Sabrosa" (1975)
•     "El Aguardiente" (1975)
•     "Canaima"
•     "La Negra del Tamunangue" (1976)
•     "Pologaita" (1976)
•     "Amparito" (1977)
•     "La Moza" (1977)
•     "La Negra Dorotea" (1978)
•     "Consuelito" (1978)
•     "La Primavera" (1979)
•     "Tambo Caliente" (1979)
•     "La Ingrata" (1980)
•     "Muñeca" (1981)
•     "Viejo Año" (1982)
•     "Afino ese Cuatro" (1982)
•     "El Cañonazo" (1983)
•     "El 18 de noviembre" (1983)
•     "Caraqueña" (1984)
•     "Upa, Upa" (1984)
•     "Salve Patrona" (1984)
•     "Palo, Palo" (1985)
•     "Venga un Abrazo" (1985)
•     "Parranda 86" (1986)
•     "El Barco y la Marea" (1986)
•     "Parranda 87" (1987)
•     "Narciso Perozo" (1987)
•     "Amigo" (1988)
•     "El Año Mariano" (1988)
•     "El Frioducto" (1989)
•     "Las Tabaqueras" (1990)
•     "Serenata y Aguinaldos" (1990)
•     "Navidad sin ti" (1991)
•     "Parranda 91" (1991)
•     "Besos y Abrazos" (1992)
•     "Felicidades" (1993)
•     "El Hijo Ausente" (1993)
•     "Cuando no Estas" (1994)
•     "Parranda 94" (1994)
•     "Dios te Bendiga Llanero" (1995)
•     "Feliz Año" (1996)"Hijos Marianos" (1996)
•     "Los Niños de la Calle" (1996)
•     "Reloj de Arena" (1999)
•     "Aniversario" (1999)
•     "Mil Años" (2000)
•     "Nostalgia en Navidad" (2000)
•     "Aguinaldo Venezolano" (2002)
•     "Aguinaldo Criollo" (2003)
•     "Olegario" (2004)
•     "Faltan Diez pa' las Doce" (2005)
•     "Viajando en Navidad" (2007)
•     "Cantares de Margarita" (2008)
•     "Mensaje de Amistad" (feat Oscar D'Leon) (2009)
•     "Mujer de mi Tierra" (2010)
•     "Guadalupana" (2010)
•     "Mi Parranda" (2012)
•     "Paraíso" (2012)
•     "Abranme la Puerta" (feat Serenata Guayanesa) (2012)
•     "Mi Calendario" (2012)
•     "Bendita Gaita" (2012)
•     "Tambores de Navidad" (2012)
•     "Golpe Pascuero" (2012)

Leer Más

Vytas Brenner (Venezuela, 1973) - La Ofrenda de Vytas Brenner (Full Album)

 

  

Vytas Brenner

Vytas Brennerm (Tubinga, Alemania, 19 de septiembre de 1946 - Salzburgo, Austria, 18 de marzo de 2004) fue unmúsico y compositor venezolano de origen alemán. Nació en Tübingen, Alemania.Como muchos europeos judíos a consecuencia de la Segunda Guerra Mundial, su familia emigró a Venezuela en 1949 cuando él tenía 3 años de edad. Vivió un tiempo en Barcelona (Cataluña, España) donde grabó su primer disco como Brenner's Folk (un EP con cuatro canciones de aire folk en catalán en el que también participaron su hermano Haakon, el guitarrista Toti Solery la cantante Jeanette). En Caracas, comenzó una carrera como músico en los años 1970 con la banda "La Ofrenda" donde experimenta un crecimiento artístico enorme iniciando muy temprano su trabajo pionero con composiciones para las combinaciones de instrumentos eléctricos y electrónicos con instrumentos acústicos y el piano; y combinando rock sinfónico, ritmos latinos, y temas tradicionales venezolanos, con resultados asombrosos. Grabó varios LP notables, cada uno un suceso, pues de hecho, él estaba desarrollando un nuevo género en saltos gigantescos.

                    

Leer Más

HA MUERTO JUAN GABRIEL

Que Broma.. me acosté a reposar el almuerzo y tomar la respectiva siesta dominguera, tome mi MP3 para relajarme oyendo seguidos los temas "QUERIDA", " HA LLEGADO UN ÁNGEL" y " EL DESTINO" con la cual termine durmiéndome... y me despierto con la noticia que se NOS fue ALBERTO AGUILERA VALADEZ "JUAN GABRIEL", HARÁ 1 MES DISFRUTE DE LA MINISERIE SOBRE SU VIDA Y UN DOCUMENTAL CON ENTREVISTA INCLUIDA, SE NOS VAN LOS ídolos musicales para quienes nacimos en los 60´s, más de 1500 temas registrados en al Asociación de Compositores de México, creo que ningún otro compositor le hace siquiera sombra, ante tan bárbaros número y con su muerte se va mas de la mitad del mundo rockolero y de despecho latinoamericano.. de sus fan y de sus fan tardíos nuestro AMOR TERNO e INOLVIDABLE ...PAZ A SU LAMA... disfruten de EL DESTINO, junto a la también reina Rocío Durcal.

                    

Leer Más

LANNISTER HOUSE - Games Of Thrones

Disfruten del video

Leer Más

Bob Seger : "Old Time Rock and Roll"

Robert Clark "Bob" Seger (n.6 de mayo de 1945) es un músico de rock y compositor de temas musicales estadounidense.Sus padres se llaman Kevin Leonard y Charlotte y tiene un hermano mayor llamado George. Nació en Dearborn (Míchigan), donde vivió hasta que a los seis años la familia se mudó a la cercana Ann Arbor (Míchigan).

El padre de Bob Seger, un técnico sanitario de la compañía Ford, tocaba varios instrumentos, de manera que Seger se crió en un ambiente musical. El ambiente también era de conflicto familiar, con discusiones entre sus padres, que molestaban a sus vecinos por la noche. En 1956, cuando Bob tenía 10 años, su padre abandonó a la familia yse mudó a California. A partir de entonces la familia de Bob pasó de pertenecer a la clase media a vivir en apuros económicos. En 1961 Bob se fue a Detroit (Míchigan).

Después de muchos años de éxito tocando y grabando en la zona de Detroit, a mediados de la década de 1960, Seger alcanzó estatus de estrella a mediados de la década de 1970 y su fama se extendió durante la década de 1980 conla Silver Bullet Band. Posee una voz rasposa clásica, que utiliza gritando. Seger se inspiró en Little Richard y Elvis Presley.

Seger ha escrito y grabado temas que trataban de la problemática de los obreros. Seger ha grabado numerosos  éxitos del rock and roll, como "Night Moves", "Still the same", "We've Got Tonight","Against the winds", "Like a Rock", "Shakedown", "The fire inside", "Main Street" y también escribió junto con The Eagles el éxito "Heartache Tonight" que llegó al puesto # 1 de los chart. "Against the wind" fue ganador de dos premios Grammy.

En 1984, Seger escribió y grabó la balada rock "Understanding" para la banda sonora de película Teachers.En el año 1987 Seger grabó "Shakedown", una canción algo poco característica de su estilo para la banda sonora el film Beverly Hills Cop II, se convirtió en su primer y único hit # 1 en la lista de singles pop. La canción había sido prevista originalmente para su amigo Glenn Frey, pero cuando este perdió su voz justo antes de la sesión de grabación, llamó a Seger para tomar su lugar. Seger cambió los versos de la canción, pero mantuvo el coro de la misma. La canción ganaría para Seger una nominación al Oscar como coguionista en la categoría de Mejor Canción Original.

Su tema distintivo "Old Time Rock and Roll" fue elegido entre los Songs of the Century en el año 2001.su trayectoria artística abarca cinco décadas y continúa hasta el día de hoy. la banda Metallica incluyó el tema "Turn The Page" en su álbum Garage Inc.

Leer Más

DISFRUTA DEL VIDEO DE ... Fun Fun Color My love (Original 12' Inch Extended Version)

                       

Fun Fun fue un dúo musical femenino italiano del género Italo disco / synthpop, vigente entre 1983 y 1994.Fue muy popular especialmente en Europa, en la década de los 80s, y sus éxitosincluyen "Happy Station", "Colour My Love" y "Baila Bolero".

El grupo lo conformaron originalmente las vocalistas Antonella Pepe, Angela Parisi e Ivana Spagna (éstaúltima abandonó el proyecto luego del primer álbum en 1986), así como las

modelos Francesca Merola, Roberta Servelli y Elena Trastulli. Lanzaron en total 12 sencillos y sólo dos álbumes de estudio bajo las etiquetas X-Energy Records y TanDan Records.

                                 

Leer Más